Valiosa gente de teatro en un ciclo de 5 espectáculos: “Femenino Plural”

 

Por Horacio Otheguy Riveira

En el Pavón-Kamikaze procuran que no se les escape nada, y si no lo encuentran lo inventan. Con esa voluntad creativa nacieron en septiembre, y alrededor de Idiota, con Gonzalo de Castro y Elisabet Gelabert —hasta el 8 de enero 2017— se suceden variopintos espectáculos en variedad de horarios y espacios. Clásicos de la casa y novedades de otros autores, y ahora Femenino Plural, un programa de cinco creaciones con autores sobresalientes del siglo XX con el objetivo de analizar y debatir la situación de la mujer en el siglo XXI. Una vez más el gran teatro ofrece la posibilidad de introducirnos en el pasado para comprender mejor no sólo lo que hoy nos sucede, sino también lo que podrá sucedernos mañana si no conseguimos reaccionar.

Durante tres meses, de noviembre a enero, la programación incluirá charlas, conferencias y otras citas participativas en las que la mujer será protagonista en la lucha contra la discriminación y la promoción de la igualdad de género.

 

Leyendo Lorca.

Tres únicas funciones. Lunes 21 de noviembre a las 19 horas. Martes 6 de diciembre a las 20 horas. Martes 13 de diciembre a las 20 horas. PRORROGADO A TRES FUNCIONES EN ENERO. Selección de textos, interpretación y dirección: Irene Escolar

Entra por el patio de butacas y tras su frágil apariencia, de largo vestida, tan hermosa como la conocemos, se infunde de valor y “es” la voz de su homenajeado, ofreciendo el comienzo de una presentación en Nueva York:

“Señoras y señores:
Siempre que hablo ante mucha gente me parece que me he equivocado de puerta. Unas manos amigas me han empujado y me encuentro aquí. Y hoy no tengo más espectáculo que una poesía amarga, pero viva, que creo podrá abrir sus ojos a fuerza de latigazos que yo le dé. De todos modos hay que ser claro. Yo no vengo hoy para entretener a ustedes. Ni quiero, ni me importa, ni me da la gana. Más bien he venido a luchar. (…) Y esta es la lucha; porque yo quiero con vehemencia comunicarme con vosotros ya que he venido, ya que estoy aquí, ya que salgo por un instante de mi largo silencio poético y no quiero daros miel, porque no tengo, sino arena o cicuta o agua salada. Lucha cuerpo a cuerpo en la cual no me importa ser vencido”.

Un comienzo inesperado que Irene encara con tierna dureza, una combinación muy personal que le permitirá grandes creaciones en el futuro. Pero aquí y ahora, después de la introducción enfundada mágicamente en los pantalones del poeta fascinado y espantado en Nueva York, la actriz se aboca a una sucesión de textos teatrales y poemas seleccionados con esmero, no sólo de obras del autor granadino, sino también de biógrafos. El resultado es emocionante porque torna cercanas las situaciones dramáticas más complejas. Desarrollo minucioso que se va abriendo en abanico y se despide con una breve y emotiva carta de Federico a sus padres escrita en la Residencia de Estudiantes.

 

 

La noche de las tríbadas. Del 29 de noviembre al 8 de enero 2017.

De Per Olov Enquist. Versión y dirección: Miguel del Arco. Intérpretes: Manuela Paso, Jesús Noguero, Daniel Pérez Prada, Miriam Montilla

Tríbada: lesbiana. La noche más oscura de August Strindberg, genio y figura de una personalidad inquietante, esta vez rodeado por dos mujeres que ama y que se aman entre sí, ambas actrices, ensayando un espectáculo escrito por él, que se entrelaza con la función vital que ellos a su vez no pueden dejar de representar.

Bajo una severa influencia de Luigi Pirandello (el primer autor que profundizó en las diversas personalidades de cada uno, según la mirada del otro), y del Edward Albee de ¿Quién teme a Virginia Woolf? (quien en los años 60 electrizó a medio mundo con una obra en la que las reyertas matrimoniales se exponían con crudeza, bañadas en alcohol), La noche de las Tríbadas la estrenó Enquist en 1975. Su éxito internacional fue muy grande desde el comienzo, en gran medida por el evidente talento para desarrollar un tema tabú —entonces y ahora, por mucho que las apariencias digan otra cosa—: la bisexualidad femenina como salvación de una neurótica presión masculina. Y en este caso se presenta con una puesta en escena muy original, en la que la ficción y la realidad se mezclan y golpean entre sí; el autor hace suyas las palabras de Ingmar Bergman, quien puso en escena varias obras del escritor sueco:

Amé y odié a Strindberg con toda mi alma y con esta obra intenté darlo todo en una medida lo más justa posible. Fue un genio torturado y a menudo torturador con sus mujeres de las que, sin embargo, se sentía víctima.

La versión de Miguel del Arco respeta la época original (1889) y es precisamente esa manera de entrar en el túnel del tiempo la que ayuda a crear una atmósfera sobrecogedora y envolvente con un reparto excelente en el que Strindberg está a cargo de Jesús Noguero, quien en los últimos años desplegó en los escenarios una serie de personajes de inolvidable repercusión. Fue el sufrido escritor austrohúngaro en Kafka enamorado; el violador que desencadena el drama principal de El Alcalde de Zalamea (que se repondrá en la CNTC en enero); y más atrás, nada menos que el trágico enamorado de Bodas de sangre, o el vibrante protagonista de Los persas, de Esquilo… Junto a Noguero, notables intérpretes que ya han trabajado con el director en magníficas creaciones: Manuela Paso y Miriam Montilla (La función por hacer, Misántropo, Veraneantes), y  Daniel Pérez Prada (La función por hacer).

Una habitación propia. Del 5 al 26 de diciembre 2016. Ensayo de Virginia Woolf escrito en 1929. Versión para la escena y dirección: María Ruiz.

Intérprete: Clara Sanchis

Firme defensora de los derechos de la mujer, Virginia Woolf nació en Londres el 25 de enero de 1882 y vivió siempre en un ambiente eminentemente literario. El 28 de marzo de 1941, víctima de una enfermedad mental, se suicidó ahogándose en un río. Escribió novelas que contribuyeron a la modernización de la literatura inglesa como El cuarto de Jacob (1922), La señora Dalloway (1925), Al faro (1927), Orlando (1928), Las horas (1931), Los años (1937) y Entre actos (1941). La versión cinematográfica de Las horas (2002) le dio una popularidad jamás imaginada.

Tuvo una efímera relación con el teatro, ya que sólo escribió una obra que nunca fue representada, por eso tiene peculiar interés la dramatización de una experta mujer de teatro como María Ruiz de su ensayo del mismo título: un compendio de las charlas y conferencias que mantuvo en torno a la figura de la mujer en la literatura. Para llevarlo a cabo sobre un escenario se unen por vez primera la veterana directora y Clara Sanchis: ambas con carreras de rigurosa autoexigencia. Recuerdo con entusiasmo su Casa de muñecas con Ángeles Martín y Pedro Casablanc, y  La serrana de la vera, emocionante montaje en esta misma sala, en el que se invirtieron los espacios: en el patio de butacas “reelaborado” sucedía la acción y en el escenario estábamos los espectadores.

[El próximo 5 de diciembre, al finalizar la representación de Una habitación propia, las escritoras Elvira Lindo y Joana Bonet dialogarán en el escenario de El Ambigú sobre la situación de la mujer novelista en el siglo XXI. Será la primera de la serie de citas participativas de Femenino Plural]. 

Para ubicar en la memoria teatrera a Clara Sanchis bastan unas pocas perlas. También en este teatro, encarnó uno de los más trágicos personajes femeninos de Lope de Vega en El castigo sin venganza, y mucho antes demostró un talento inusual para unir el verso de Lope al musical contemporáneo en una versión muy divertida dirigida por su madre, Magüi Mira, así como también en el reciente Alcalde de Zalamea de la CNTC resuelve con gran eficacia un andrógino fantástico, La chispa, que juega al varón indómito todo el tiempo hasta que nos sorprende con la felicidad de quedarse embarazada.

 

La voz humana. Del 14 de diciembre al 6 de enero 2017.

De Jean Cocteau. Versión y dirección: Israel Elejalde. Intérprete: Ana Wagener

Es el monodrama más representado de la historia del teatro y para muchos el primero. En este 2016 Cumple 86 años. Wagener se enfrenta a un personaje muy transitado por actrices de diverso estilo. Tiene un bagaje singular que le ha permitido forjar personalidades inquietantes en obras importantes como Málaga, del suizo Lukas Bärfuss, en el papel de una egocéntrica divorciada, o en el muy contradictorio rol de una funcionaria de prisiones en La anarquista, de David Mamet. Y en la pasada temporada conquistó a la reina Gertrudis en el Hamlet de Miguel del Arco: la madre del príncipe de Dinamarca fue entonces dueña de una sobrecogedora belleza (y lo volverá a ser en la reposición en este teatro, prevista para febrero 2017), eliminando de raíz varios tópicos del personaje en la escena clave que mantiene con el hijo, un Israel Elejalde que también afrontaba la tan vapuleada secuencia con mucha garra al expresar su infortunio, y dolorosa sensibilidad ante su madre indefensa y la advertencia del padre muerto.

Ahora se unen, él como director (responsabilidad con la que ya se ha desenvuelto brillantemente en dos ocasiones: Sótano e Idiota). Ana Wagener es ahora la mujer que habla por teléfono ante el infortunio del desamor, del vertiginoso descenso hacia el infierno de saberse marginada por quien ama por encima de todo. Y con el teléfono en la mano, haciéndonos sentir su angustia, y nosotros creyendo escuchar las voces que sólo a ella llegan, como si fuéramos parte del personaje y su literatura.

Juicio a una zorra. Del 12 al 29 de enero 2017. Dramaturgia y dirección: Miguel del Arco. Intérprete: Carmen Machi

Ante una larga mesa ceremonial repleta de botellas de vino y copas de cristal aparece una mujer de cabellera rubia, vestido rojo y tacones de vértigo. Es Helena de Troya, también conocida como Helena de Esparta, Helena la argiva, Helena la aquea o Helena la zorra. Porque quien ha pasado a la historia como la mujer más hermosa que ha pisado la Tierra, cuya inalcanzable belleza desencadenó la más célebre guerra de la Antigüedad, es también una de las mujeres más vilipendiadas que recuerdan las crónicas, la adúltera reina de Esparta. Al menos esa es la versión oficial. Pero ha llegado el momento de que la mirada femenina reescriba su propia versión del mito. “Yo solo tomé una decisión, posiblemente la única que tomé en mi vida. La de amar a un hombre por encima de todas las cosas. Los hechos que le siguieron fueron decisiones de hombres poderosos obsesionados con la posteridad y la riqueza”.

Carmen Machi asume a la mujer más bella del mundo, capaz de iniciar una larga guerra, protagonizando los dos extremos, la más deseada y la más detestada. En el texto de Miguel del Arco, ya no está la sombra de Homero dando su versión ultra masculina  de los hechos, así que súper héroes como Ulises, “de compasión tan corta como sus piernas” o Aquiles, el del famoso talón, “al que tuvieron que sacarlo del harén en el que se había escondido” y del que a Helena no le quedaba claro si le había molestado más “el que lo hubieran encontrado o tener que dejar de usar faldas”. ¡Hombres con damas que les bailan el agua y una mujer desesperada extraordinariamente cercana! Una función estrenada en 2012 que en 2016 sigue gozando de muy buena salud.

 

 

Más información: El Pavón Teatro Kamikaze