Lo efímero
Escrito por Jorge Mur.
»Impermanence«
Durante más de 50 años, Kenro Izu ha demostrado su pasión por la luz y las historias que son fruto de la unión de personas y lugares. Sus fotografías nos invitan a mirar lejos de casa para, entre otras cosas, experimentar la vida desde una perspectiva diferente. También nos muestran la belleza de lo más frágil, como un antiguo templo a punto de ser engullido por la vegetación o los rituales en torno a la muerte en las orillas del río Ganges. Lo efímero recorre su obra para quedar grabado en nuestra retina.
¿Cuándo y cómo nació tu amor por la fotografía?
Durante mi época en el instituto compré una cámara para fotografiar bacterias bajo un microscopio. Quería convertirme en investigador médico para descubrir un microorganismo desconocido.
Pero cuando entré en la facultad de arte en vez de en la de medicina, mi enfoque cambió a la fotografía artística.
¿Qué es lo que más disfrutas de la fotografía?
De vez en cuando, puedo capturar la imagen que está más allá de mi intención. La causa es una reacción química, la luz o el viento. Y esto es especialmente cierto en la fotografía de película/química.
Háblanos de tu proyecto titulado “Sacred Places” (Lugares Sagrados) que iniciaste en 1979. ¿Cómo surgió la idea de este proyecto? ¿Cuál es el principal propósito de estas fotografías?
En 1979 viajé a Egipto en busca de lo que quería hacer en la fotografía creativa. Y también fue un viaje para buscarme a mí mismo, ya que estaba perdido en el rumbo que mi fotografía debía tomar.
Obtuve la imagen de la Pirámide de Saqqara (la pirámide escalonada del faraón Zoser) por sorpresa, debido a la larga exposición durante el anochecer. Esto me hizo pensar en la “atmósfera sagrada”, y en la presencia de monumentos de piedra.
Así, “Lugares Sagrados” se convirtió en el trabajo de toda mi vida. Tengo curiosidad por descifrar por qué la gente quiere orar en ciertos lugares.
¿Por qué es tan importante la estética del blanco y negro en tu concepción de la fotografía?
La imagen en blanco y negro estimula nuestra imaginación mucho más que la fotografía en color, ya que ofrece al espectador una interpretación más libre de la imagen. Libre de un “color” definido.
Usas cámaras analógicas. ¿Por qué te gustan y qué cualidades aportan a tu trabajo?
Parece haber “magia” en la película y la química, algo que no veo en las imágenes digitales.
Además, la calidad misteriosa de una impresión hecha por una imprenta experta, no tiene comparación con las impresiones digitales.
En “Pompeii Requiem” retratas la ciudad y la gente que desapareció hace casi dos milenios a causa de una erupción volcánica. ¿Qué sentiste al fotografiar Pompeya? ¿Qué emociones o ideas pretendías reflejar en tus imágenes?
Mi motivación para fotografiar “Pompeya” surgió al ver el cuerpo de yeso que se hizo con el molde de personas fallecidas hace más de 1900 años.
Fue la primera vez que veía a los “muertos” de la antigüedad aparecer ante mis ojos, y fue una experiencia muy conmovedora.
Se me ocurrió la idea de colocar a los “muertos” en lugares reales de las casas, en las calles, en el teatro o en los baños termales para recrear las escenas de “un año después de la tragedia”.
Tu proyecto sobre las máscaras Noh es realmente interesante. ¿Cuál fue el aspecto más complicado que tuviste que superar al fotografiar estas piezas tan antiguas? ¿Qué te transmiten estas máscaras al contemplarlas con tanta atención? ¿Qué descubres en ellas?
Todas las máscaras Noh que fotografío se utilizan en la interpretación real de Noh desde hace cientos de años. De hecho, algunas de ellas tienen más de 600 años.
Parecen empapadas por el tiempo, no sólo de la actuación de Noh, sino con la historia de numerosos desastres a causa de las guerras e incendios. Las máscaras están hechas de madera. Se pueden dañar fácilmente por golpes, fuego o incluso por la acción de los insectos. Sentí el poder de estas máscaras que sobrevivieron a través del tiempo.
Además, al comenzar a fotografiar estas máscaras descubrí que la palabra “impermanencia”, que es un término budista, es el núcleo de todo mi trabajo.
¿Cuáles son tus principales fuentes de inspiración?
La naturaleza. Contemplar un árbol durante un año y ver cada fase de la vida; eso es algo hermoso.
¿Qué lugar te gustaría fotografiar?
He fotografiado muchos lugares, y ahora estoy centrado en mi nuevo proyecto titulado “Mono no Aware”, que trata del sentido de la belleza de los nobles japoneses medievales.
Estos nobles hallaban la belleza en las flores que se marchitan y caen, en las mujeres que envejecen, en las cabañas rústicas para tomar el té o en el pathos de la vida.
Vivir en Estados Unidos como japonés durante 50 años ha sido una experiencia bastante reveladora, que me ha servido para darme cuenta de que tengo una sensibilidad japonesa en mi interior.
La “máscara Noh” es una parte de “Mono no Aware”, que se compone de 3 partes:
1- “Yugen”, que representa la máscara Noh.
2- “Wabi”, que representa malas hierbas/flor de los campos.
3- “Sabi”, que representa el árbol sagrado y los bosques que rodean el santuario Jinja.
Con estas tres partes quiero retratar el “Mono no Aware”.
Kenro Izu: Website | Instagram
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Written by Jorge Mur.
»Impermanence«
For more than 50 years, Kenro Izu has shown his passion for light and the stories that appear from people and places coming together. His photographs invite us to look away from home and experience life from a different perspective. His photographs also show us the beauty of the most fragile, like an ancient temple about to be swallowed by vegetation or the rituals around death on the banks of the Ganges River. The ephemeral runs through his work to remain engraved on our retina.
Where does your love for photography come from?
When I was a high school student, I bought a camera to photograph bacteria under a microscope. I wanted to become medical researcher to discover unknown micro-organism.
As I enter art college, instead of medical school, my focus shifted to the artistic photography.
What do you enjoy the most about photography?
Once a while, I am able to capture the image which is beyond my intension. This is caused by chemical reaction, light or wind. This is especially true in the film/chemical photography.
Tell us about your project called “Sacred Places”, which you started in 1979. How did the idea for this project come about? What is the main objective or purpose of these photographs?
The Egypt trip I made in 1979 was to search what I wanted to do in the creative photography. It was even a trip to search myself, as I was lost in the direction of photography.
The image of Sakkara Pyramid was given to me by surprise from the long exposure during the dusk. It awakened me to realize the “sacred atmosphere”, and the presence of stone monuments.
Ever since “Sacred Places” became my life-long work. I become curious why people want to pray at certain places, and why.
Why is the black and white aesthetic so important in your conception of photography?
Black and White image stimulate our imagination much more than Colour photography.
It offers to the viewer free interpretation of the image. Free from defined “colour”.
You usually use a film camera for your projects. Tell us why you like it and what qualities it brings to your work.
There seems to be the “magic” in the film and chemistry, which I don’t see in the Digital imaging.
The mysterious quality of a fine-print, made by skilled printer is no match to the Digital prints.
In “Pompeii Requiem” you portray the city and people vanished nearly 2000 years ago by volcanic eruption at Pompeii, Italy. What did you feel when photographing this place? What emotions or ideas did you intend to reflect in your images?
My motivation to photograph “Pompeii” arises when I saw the plaster body which was made from the mold of the dead people 1900+ years ago.
This is the first time to see the “dead” of ancient time appeared before my eyes, and it was very moving experience.
I came up of the idea of placing the “dead” to actual locations of house, street, theatre, or bath house to re-create the scenes of “a year after the tragedy”.
Your project about Noh masks is really interesting. What is the most complicated aspect that you had to overcome when photographing these very old pieces? What do these masks transmit to you when you look at them so carefully, what do you discover in them?
All the Noh mask which I photograph are used for actual Noh performance for hundreds of years, some of them are more than 600 years old.
They seems absorbed the time, not only of the Noh performance, but with the history over numerous disasters of war and fire. The masks are made from wood. They are easily destroyed by shock, fire or even by insects. I sensed the power of the masks which survived through the time.
Since starting the photography of Noh mask, the word of “Impermanence” which is a Buddhist term, I realized that the core of all of my work.
What are your main sources of inspiration for your work?
Nature. By looking a tree for a year, I see every phase of life, and it is beautiful.
What place would you like to photograph?
I photographed many places already, and now I have focused in my current project of “Mono no Aware”. It is about what medieval Japanese noble people’s sense of beauty.
They find the beauty in wilting and falling flower, aging women, rustic hut to have a tea, or Pathos of a life.
Living in America for 50 years as a Japanese, this was quite awakening experience, and it was the time I realized that I had a Japanese sensitivity within me.
The “Noh mask” is a part of “Mono no Aware” which is composed by 3 part.
1- “Yugen” represent Noh mask.
2- “Wabi” represent ordinary weeds/flower of fields.
3- “Sabi” represent the sacred tree and forests that surround the Jinja shrine.
With the 3 part, I like to portray the “Mono no Aware”.
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