Temporada 2019-2020 en el Español: unión de fronteras, alianzas perdurables
Por Horacio Otheguy Riveira
El arte de empatizar. Una constante en la voz de Carme Portaceli es su tendencia al posibilismo frente al derrotismo, su energía hacia la luminosidad de las alianzas frente al enfrentamiento pertinaz, y sobre todo la búsqueda de la buena empatía: ese arte de empatizar que a veces, socialmente, parece un delirio de incalculables consecuencias, cuando se trata del eje por el que debe pasar toda convivencia: «el ponerse en la piel y los zapatos del otro», en el respirar, padecer, disfrutar y andar de los otros para que dejen de ser un infierno, como señaló Sartre en su obra Huis Clos, «el infierno son los demás». En aquel encierro donde las culpas y los reproches se producían eternamente, se vivía una reproducción intimista del horror de la segunda guerra mundial, escrita en pleno foco ardiente de 1944 cuando ya se habían producido millones de muertes y sobrevivían millones de malheridos moral y físicamente.
Huis Clos, A puerta cerrada, Sartre, el existencialista comprometido políticamente, el que tenía «la pasión de comprender a los hombres», y ahora este tiempo nuestro en el que parece que todo explotará en cualquier momento, desde la falta de ética en la política y los negocios más sórdidos, pero también un tiempo con grandes esfuerzos solidarios, imponente imaginación para labores de riesgo y compromiso en el que el pequeño refugio de los teatros expanden su sed de aventura y conocimiento, un humanismo que la directora Carme Portaceli, valenciana con larga trayectoria en Catalunya y una decidida vocación universal que la ha llevado a dirigir el Teatro Español de Madrid.
Responsable de setenta espectáculos en los que ha prevalecido una imperiosa voluntad de creatividad e investigación del lenguaje escénico, presenta ahora su tercera temporada como directora artística de la Sala Principal y la Sala Margarita Xirgu. Y lo hace con un proyecto que incluye a algunos de los representantes del mundo teatral más valiosos, unidos a una corriente de salud ética de gran importancia para la vida cultural de Madrid al mundo, de Madrid al cielo donde la magia es un hechizo con decorados y banda sonora muy cuidados, para el lucimiento de sus actrices y actores sin los cuales el más antiguo espectáculo del mundo carecería de sentido.
Como decía Bergman, «el objetivo de un teatro debería ser siempre transportar a su público al valle del asombro, que no se encuentre con lugares comunes, sino que vivan una experiencia sorprendente». La vida es un compendio que el teatro ha de revelar. Atravesamos un periodo de oscuridad en el que las personas tenemos muy complicado encontrar nuestro camino. Todo es confusión. Hace falta luz, pero no sabemos de dónde traerla, aunque muchos profetas alcen su voz vendiendo soluciones mágicas.
Este año dedicamos la temporada a Las Fronteras. De hecho el escenario ya es una frontera entre la vida real y otras ventanas que nos muestran otras cosas, otras ópticas, haciéndonos llorar, reír, disfrutar, olvidar nuestra cotidianidad, abducirnos durante un rato en un mundo que parece el nuestro pero que no lo es. (…) El teatro nos habla siempre de las personas, de lo que somos o podemos llegar a ser. O bien, de lo que hemos sido en nuestros más oscuros sueños.
De Zonas de conflicto al realismo mágico de La casa de los espíritus
Las fronteras es el tema que atraviesa este año la programación general. Se abre la temporada con las experiencias de cinco periodistas especializados en Zonas de conflicto. Acostumbrados a sus relatos a través de los medios, nos acompañarán para, desde la proximidad del teatro, acercarnos a sus experiencias. En la época de la posverdad, los fakes, los social media y los vídeos virales.
¿Cómo trabajan estos periodistas para que la información sea neutral, verosímil y directa? ¿Cuál es la frontera a la que se enfrenta el periodismo en zonas de conflicto? ¿Cómo presenciar los conflictos? ¿Cómo contar una guerra?
Dirección: Judith Pujol y Rubén Cano. Reparto: Javier Bauluz, Rosa María Calaf (foto), Javier Espinosa, Mónica García Prieto, Maruja Torres. Única función: 12 septiembre, 20 horas. Sala Principal.
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Mastodonte. Teatro-canción, un género inclasificable de Asier Etxeandia en un concierto versatil que propone una experiencia sensorial, una explosión de emociones expresadas a través de la música y la pasión teatral de quien es un gran actor y un gran cantante.
Voz: Asier Etxeandia. Bajos, sintetizadores y programaciones: Enrico Barbaro. Guitarra eléctrica: Iván Prada. Batería: Pino Rovereto. Piano, percusión, batería electrónica, saxo, guitarra acústica: Domi Oliver.
Dos únicas funciones a las 20 horas: 14 y 15 septiembre. Sala Principal.
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De los creadores de Princesas del Pacífico, llega ahora una recreación del exceso de ambición como un cotidiano ejercicio de espejos deformantes de la realidad actual: «A un mes del cierre por impagos de su estudio, una decrépita profesora de danza y teatro para niñas decide que es el momento del `ahora o nunca´ y apuesta por realizar un espectáculo para revolucionar el arte contemporáneo: Lo nunca visto. Sin talento, sin dinero y ya sin alumnas en sus clases se lanza a reclutar a `artistas comprometidas´ para su causa. Sólo acudirán a su llamada dos de sus exalumnas: una yonqui gallega y un ama de casa recién fugada».
Con traducción y adaptación de Álvaro del Amo, se estrenará El sirviente, una novela corta escrita por el sobrino de Somerset Maugham, Robin Maugham. Publicada en 1948, y llevada al cine en 1963 por Joseph Losey, adaptación de Harold Pinter, y premiada interpretación de Dirk Bogarde, tuvo un carácter confesional ciertamente audaz, ya que las relaciones homosexuales se castigaban con prisión en la Inglaterra de entonces.
En El sirviente se trata «una relación cargada de suspense emocional en la que la lucha moral y sexual se mezcla sibilinamente con la lucha de clases. Una relación entre amo y sirviente, en la que el criado aniquila con perseverancia, ingenio y minuciosidad las barreras sociales, dinamitando pacientemente los roles preestablecidos hasta controlar la voluntad de su amo. Una relación de dominación, de atracción, de dependencia y de emancipación».
El sirviente. Autor: Robin Maugham. Traducción y adaptación: Álvaro del Amo. Dirección: Mireia Gabilondo. Reparto: Sandra Escacena, Lisi Linder, Eusebio Poncela, Pablo Rivero (Resto de reparto en curso).
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Jorge Usón —uno de los grandes actores españoles que es también uno de los más polifacéticos— seguirá asombrando, esta vez en concierto. Aplaudido en muchas y variadas representaciones (entre otras: Al dente, El hogar del monstruo, Cabaré de caricia y puntapié, Invernadero) presentará un show multicultural muy interesante, como consecuencia de sus viajes por algunos países de Hispanoamérica. Teatro-canción-música, un triángulo con el que mantiene muy buenas relaciones, y que en cada acontecimiento demuestra vocación, talento y creciente formación, con recursos escénicos muy notables.
Decarneyhueso es un espectáculo compuesto por músicas del mundo de composición propia y de otros autores, todo entremezclado con poemas en una cuidada puesta en escena. Un estilo folclórico-popular que bebe de la música argentina, cubana, chilena, brasileña, peruana, africana y también española-mediterránea. Canciones de ultramar, fusión de los pueblos y culturas subrayando aquello que nos une más allá de los océanos.
Algunas de sus fuentes de inspiración son: Mercedes Sosa, Serrat, los Carabajal, Aute, Trío Matamoros, Chico Buarque, Mina Manzzini, Atahualpa Yupanqui, María Dolores Pradera, Pablo Milanés, Raúl Carnota, Arnedo-Gallo, Silvio Rodríguez o Pedro Luis Ferrer y poetas como Alberti, Gamoneda, Gil de Biedma, Anne Sexton, Saul Bellow, Tonino Guerra, Gonzalo Escarpa, Pablo Baena o José Antonio Labordeta.
Decarneyhueso. Jorge Usón, voz. Adán Carreras, guitarras, voz. Jesús Garrido, guitarras, bouzouki, charango, voz. Nelson Dante, percusión y voces. Fernando Favier, percusión. Única función: 4 de octubre a las 22,30 horas. Sala Principal.
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Una comedia francesa de gran éxito internacional llega traducida, adaptada y dirigida por Sergio Peris-Mencheta, tras una gira de un año a sala llena: ¿Quién es el señor Schmitt?:
«El señor y la señora Carnero cenan tranquilamente en su casa, cuando de pronto suena el teléfono. Pero los Carnero no tienen teléfono. El misterioso interlocutor insiste en hablar con un tal señor Schmitt… Y lo que es más extraño aún, los Carnero descubren que están encerrados en el interior de una casa que no parece la misma: los cuadros han cambiado, los libros no son sus libros, la ropa de sus armarios no les pertenece… El pánico se apodera de todo. La pesadilla no ha hecho más que comenzar. ¿Son acaso el señor y la señora Carnero, sin saberlo, el señor y la señora Schmitt? ¿Quién está loco? ¿Quién está en posesión de la verdad? ¿Él? ¿Ella? ¿Los “otros”? ¿El espectador?».
Autor: Sebastien Thiéry. Versión y dirección: Sergio Peris-Mencheta. Reparto: Javier Gutiérrez, Cristina Castaño, Xabi Murua, Quique Fernández, Armando Buika. Del 16 de octubre al 10 de noviembre. Martes a sábado 20 horas. Domingos 19 horas. Sala Principal.
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Del 17 octubre al 10 de noviembre, JUGUETES ROTOS, escrita y dirigida por Carolina Román: un éxito de la pasada temporada. Vuelve la historia de Mario que trabaja en una oficina y un día recibe una llamada que le cambiará la vida para siempre… A partir de ese momento, viajaremos a su infancia, habitaremos su casa, recorreremos su pueblo. Pinceladas en blanco y negro que truncarán su identidad sexual y de género. Juguetes Rotos vuelve a la Sala Margarita Xirgu tras el éxito cosechado en la temporada 2017/18 y con dos nominaciones a los premios Max 2018 como ‘Mejor Actor Protagonista’ para los dos actores: Nacho Guerreros y Kike Guaza.
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Becca y Eva dicen que se quieren. Del 5 al 10 noviembre. Sala Andrea D´Odorico. Martes 17 horas. Miércoles, jueves y viernes, 10 y 17 horas. Sábado y domingo 18 horas.
Simplemente, una historia de amor, una historia de amor a los 17. Ni más ni menos. Teatro necesario. Porque todavía quedan demasiados rincones en este país donde contar y llevar esta historia. Dos alumnas de 17 años, un día de primavera, decidieron entrar en una de mis clases cogidas de la mano y, antes de sentarse, se besaron a la vista de todos. Sus compañeros se quedaron “flipados” porque, por primera vez, se había hecho “visible” una relación que mantenían casi en secreto. Aquella “foto”, tan valiente y hermosa, fue la síntesis, la fotosíntesis, que encendió la chispa de esta obra.
Becca y Eva dicen que se quieren es una obra pensada especialmente para adolescentes de institutos que obtuvo el Premio Leopoldo Alas/ LGTB/ SGAE 2011.
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Livija Pandur es una mujer de teatro que ha colaborado habitualmente con su hermano Tomasz Pandur. Con Inmaculata debutó como directora en este mismo teatro, un espectáculo fantástico sobre el texto de Colm Tólbin.
En esta ocasión firmará la puesta en escena de ECOS, del británico Henry Naylor. Con Silvia Abascal y Nur Levi. Se representará del 15 de noviembre al 1 de diciembre en la Sala Principal. Martes a sábado, 20 horas. Domingos, 19 horas.
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Del 21 de noviembre al 22 de diciembre en la Sala Margarita Xirgu, La espuma de los días, escrita y dirigida por María Velasco, versión de una novela de Boris Vian (1920-1959) que hizo historia tras la prematura muerte del autor. Con Miguel Ángel Altet, Fabián Augusto Bohórquez, Lola Jiménez, Natalie Pinot
Érase una vez una visión arrebatada de la vida y la libertad. Un panegírico desesperado de la joie de vivre o alegría de vivir con un hombre triste, un robot de limpieza, un disfraz de Mickey Mouse, una bailarina… y espuma.
Publicada poco después de la Segunda Guerra Mundial, La Espuma de los días (L’Écume des Jours), de Boris Vian, es una “desgarradora novela de amor”, firmada por un joven autor sentenciado a muerte por una cardiopatía y poseído por un desesperado vitalismo. ¿Qué esperanza hay para los sentimientos románticos cuando la ciudad del amor es la segunda más cara del mundo? En esta apropiación contemporánea de la célebre novela, asistimos a la chispa del amor y su extinción bajo el signo de la crisis somática y económica. La enfermedad es un electroshock necesario para cuestionarnos algunos convencionalismos, soñar otros cielos.
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Hamlet al actor: «Ajusta la acción a las palabras y las palabras a la acción… porque no hacerlo se opondría a la razón de ser del teatro, cuyo fin, desde sus principios hasta ahora, ha sido y es, sostener un espejo que muestre a la virtud su propio rostro, al vicio su verdadera imagen, y a la misma encarnación del tiempo su carácter y su sello.
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De Arco, La Loca, La Beltraneja, La Papisa… JUANA, un nombre de mujer con huella en la historia; una huella marcada casi siempre por vivir más allá de lo que se les tenía predestinado por su género y época. Una huella imborrable sobre la que las sucesivas generaciones de mujeres y hombres caminamos dejando nuevos vestigios de nuestros pasos en cada lugar, en cada época. Como la lava de un volcán, los ecos de las situaciones vividas dejan una huella, un vestigio, un residuo por el que se vuelve a pasar, pero que sirve de peldaño respecto al pasado. Cargas y podios que nos acompañan….
¿Cómo se manifiestan en la actualidad estos legados? ¿En qué situaciones siguen vivas estas mujeres?
Dramaturgia Juan Carlos Rubio. Textos Juan Carlos Rubio y Marina Seresesky
Del 4 al 22 de diciembre. Sala Principal. Martes a sábado, 20 horas. Domingo, 19 horas.
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Entramos en 2020 con una serie de espectáculos igualmente interesantes que, por motivos de espacio, no podemos reseñar, pero a los que volveremos más adelante.
Temas de candente actualidad, y creadores de consolidado prestigio en un notable esfuerzo por superar fronteras, trascender estereotipos: Prostitución, Atentados, Nueva Dramaturgia Francesa, franquismo de ayer y de hoy, Madrileños acuciados por la especulación inmobiliaria, libre versión de Mujercitas, Sor Juana Inés…
Carmen Cortés (foto), Sol Picó, Miguel Rellán, Carmen Machi, Gloria Muñoz, Verónica Forqué, Andrés Lima, Nando López, Lola Blasco, Ana Fernández, Aitana Galán…
Por último, la temporada se cerrará con la primera adaptación teatral de la novela autobiográfica de Isabel Allende, La casa de los espíritus, publicada por primera vez en 1984, comienzo de una fulgurante carrera hasta el día de hoy con Largo pétalo de mar, homenaje a dos mil republicanos que huyeron en plena guerra civil en un barco fletado por Pablo Neruda.
Allende debutará en la aventura escénica con esta adaptación de su primera novela, ya que sus cuatro obras teatrales de juventud nunca fueron estrenadas en nuestro país.
Isabel Allende escribió La Casa de los Espíritus en 1982. En ella la autora narra la historia de la familia Trueba a lo largo de cuatro generaciones, un período que abarca casi un siglo, en un país que atraviesa enormes cambios sociopolíticos que culminan en una dictadura devastadora. Es una saga de mujeres cuyos nombres tienen algo en común: la luz. Nívea, Clara, Blanca, Alba…
Alba es la encargada de reconstruir la historia. Es maravilloso en esta novela la tensión que hay entre la memoria, las contradicciones, la violencia y como se rescata el sentido de reconciliación con las cosas que pasan en un país y en una familia. Por supuesto, dentro de eso está el perdón. Y, básicamente, el amor. Toda la obra es como un laberinto de la historia lleno de realismo mágico en el que se aprecia cómo la política planea sobre las cabezas de las personas sin que tengamos nada que ver con ella. Carme Portaceli
La memoria es frágil y el transcurso de una vida es muy breve y sucede todo tan deprisa, que no alcanzamos a ver la relación entre los acontecimientos, no podemos medir la consecuencia de los actos, creemos en la ficción del tiempo, en el presente, el pasado y el futuro, pero puede ser también que todo ocurre simultáneamente.
Del 11 de junio al 19 de julio. Versión Ana Maria Ricart. Adaptación: Ana Maria Ricart, Carme Portaceli. Dirección, Carme Portaceli. Reparto en curso.