Chesse! Recomendaciones II
Por Jorge Mur.
«En una fotografía, los ojos de una persona dicen mucho, a veces lo cuentan todo»
Alfred Eisenstaedt
No es necesario adornar la realidad para encontrar hechos asombrosos. Podemos soñar despiertos con sólo admirar unas pocas fotografías en blanco y negro, ya sean fotografías de celebridades, o escenas callejeras de otra época que nos recuerdan que vamos a bordo de un tren que partió de una estación remota para no detenerse jamás.
1. En «Alfred Eisenstaedt: Portraits of the past» (Robert Mann Gallery, Nueva York. Hasta el 27 de abril), podemos descubrir el trabajo del «padre del fotoperiodismo», un Alfred Eisentaedt intrigado por el elemento humano. Además, Eisenstaedt realizó una cobertura excepcional del Hollywood de los años 30 fotografiando, entre otras, a estrellas como Bette Davis, Katherine Hepburn y Sophia Loren. También fotografió a Marilyn Monroe en un pequeño patio detrás de su casa en Hollywood en 1953, capturándola con una luz que recuerda a Rembrandt y que coloca, en primer plano, la hipnótica mística que poseía Marilyn.
2. Desde su aparición, la fotografía siempre ha mantenido una importante vertiente documental, como si fuera un viajero en el tiempo que nos muestra pedazos de la historia. En «La mirada de las cosas. Fotografía japonesa en torno a Provoke» (BombasGens Centre D’Art, Valencia. Hasta el 2 de febrero de 2020) asistimos a una de las muchas transformaciones del lenguaje fotográfico de la mano de un grupo de japoneses que comenzó a desarrollar su trabajo durante la posguerra, en medio de grandes cambios económicos y culturales, ya que no debemos olvidar que fueron años de enfrentamientos sociales, principalmente de lucha contra la herencia americana de la ocupación.
La muestra reúne una selección de imágenes de los artistas que formaron parte del colectivo VIVO (1959-1961), como Ikkō Narahara, Shōmei Tōmatsu, Eikoh Hosoe, Akira Satō o Kikuji Kawada, y de los fotógrafos que sacaron adelante la revista Provoke (Provocative Materials for Thought) en 1968, como Yutaka Takanashi, Takuma Nakahira o Daidō Moriyama. Destaca, sobre todo, el carácter experimental de sus instantáneas, una tendencia que muchos otros artistas, tanto dentro como fuera de Japón, continuarían desarrollando hasta la actualidad.
3. Con el mismo afán innovador, Toshiko Okanoue irrumpió en la escena artística japonesa en la década de 1950. Practicó el collage de fotografías influenciado por el trabajo de Max Ernst y empleando, con un desparpajo propio del surrealismo, imágenes procedentes de revistas de noticias extranjeras como TIME y LIFE y revistas de moda como Vogue. La muestra «Toshiko Okanoue. Photo Collage: The Miracle of Silence” (Tokyo Metropolitan Teien Art Museum, Tokyo, Hasta el 7 de abril) resume la carrera de uno de los fotógrafos japoneses más influyentes en la era del renacimiento de la posguerra.
4. Viajar es documentar. Visitar otros lugares nos permite, además de admirar paisajes y entablar conversaciones, descifrar el modo en que otros seres humanos observan y entienden el mundo. La muestra «Cazadores de imágenes. IV Premio Fotográfico Internacional Jalón Ángel» (Museo Provincial de Zaragoza, Zaragoza. Hasta el 1 de mayo), organizada por el Archivo Fotográfico Jalón Ángel, tiene como objetivo honrar la memoria del citado fotógrafo y premiar el interés por esta disciplina en dos de los apartados en los que Jalón Ángel brilló de manera sobresaliente: el retrato y la fotografía de viajes.
La convocatoria de 2018 (la que actualmente se expone) recibió más de 2200 imágenes procedentes de 94 países y nacionalidades. Entre los participantes se encuentran ganadores de prestigiosos premios como el Sony World Photography Awards, BBC Wildlife Photo Contest, o Magnum Photography Awards; y algunos de los participantes son colaboradores de revistas, agencias y medios de comunicación de prestigio internacional como National Geographic, The New York Times, Der Spiegel, CNN y BBC, entre otros.
5. Es posible que el amor sea, simplemente, una frontera por la que nos gusta caminar descalzos. De alguna manera, se trata de un lugar en el que confluyen dos mundos; un encuentro, ¿no? En «The Space Between» (Julie Saul Gallery, Nueva York. Hasta el 20 de abril), casi una treintena de artistas retratan las muchas fases de las relaciones íntimas y, en particular, el espacio intermedio que alude tanto a la unión física de las parejas como al paso del tiempo que las cohesiona o hace que fracasen.
Hoy en día, las relaciones tienen que hacer frente a nuevas interferencias. La forma de comunicarnos ha cambiado. Tenemos Internet y las redes sociales tatuadas en la piel. Nos asomamos a un nuevo abismo. Cada vez es más normal encontrar pareja a través de una aplicación que instalamos en nuestro teléfono móvil. Aún así, cuando interactuamos con otra persona cara a cara y uno de los dos se arriesga y acierta, los pies avanzan por el mismo vértice inestable al que hay que prestar atención cada día, como si fuéramos de puntillas sobre esa línea que divide un tejado en dos aguas con el fin de obtener la panorámica más increíble de la ciudad.
