Entrevista a Mario Brenta

 

Por Dafne Calvo.

“El cine ha estado sufriendo una enfermedad casi interminable”

Mario Brenta (Venecia, 1942) es un director impregnado de la poética de las nuevas olas, de la influencia neorrealista y, por supuesto, de Ermanno Olmi, con quien fundaría Ipotesi Cinema, escuela de cine alejada de cualquier convencionalismo. De todas sus influencias surgieron películas como Vermisat (1975), Maicol (1989), Barnabo delle montagne (1994), Calle de la Pietà (2010) o Agnus Dei (2012).  Alumno aventajado de Olmi, no podía faltar a las I Jornadas de Cine Realidad de la 59 Seminci, centradas en la obra del cineasta italiano, donde también presenta Corpo a Corpo, sobre el director teatral Pippo Delbono.

 

¿Cómo se siente al ser uno de los protagonistas de las I Jornadas de Cine Realidad?

Un poco incómodo, como de costumbre cuando hablo de cine. Es mucho mejor dejar que las imágenes hablen por sí mismas, en lugar de usar las palabras.

Jornadas, además, centradas en la figura de Ermanno Olmi, ¿cómo describiría al autor y su obra?

No es una pregunta fácil de responder. Yo diría que ambos, autor y obra, tienen la misma gran sensibilidad y agudeza de la vista como a la realidad. Pero a veces el hombre y sus películas son de alguna forma diferentes entre ellos, por no decir contradictorios. ¿Por qué? Esto también sería una pregunta difícil de responder.

Ermanno Olmi, además de director, fundó Ipotesi Cinema, ¿necesitaba Italia una nueva vía para la expresión cinematográfica?

No sólo Italia. El cine ha estado sufriendo una enfermedad casi interminable que ha restringido sus posibilidades expresivas, especialmente en lo que a los largometrajes se refiere. Esta enfermedad se llama la banalidad y falta de coraje. La mayoría de las películas no se atreven a profundizar en las posibilidades que el lenguaje audiovisual les ofrece. Sin embargo, se prefiere participar en un juego más seguro: mirar a otras artes más antiguas, tratando de imitarlas en lugar de encontrar un camino propio, en lugar de ir en busca de una identidad propia. En cierto modo es como estar a los mandos de un avión y evitar que vuele y que simplemente se dedique a correr aquí y allá, rodando por la pista como si fuera un coche y nunca dejar que despegue y vuele. Y todo eso sólo por miedo.

Usted propone un cambio a partir de la observación de la realidad, para aprender de ella.

No sólo buscar la realidad, sino estar dispuesto a apoderarse de ella en el momento en que aparezca. Cuándo y dónde va a suceder esto, nunca se sabe: sin ningún tipo de receta, debe ser una sorpresa. ¡Al final, esa es la razón por la que es tan emocionante!

¿Y cómo puede el cine apoderarse de la realidad de forma diferente a otras artes?

Como cuestión de hecho, no hay tanta diferencia en cuanto a la forma en la que el cine y las otras artes se acercan a la realidad. La verdadera diferencia deriva del número de códigos que en cada arte se pueden expresar. Y en el cine, a diferencia de otras artes, se pueden expresar todos los códigos que pertenecen a la realidad misma, sin excluir ninguno de ellos. El cine es mucho más rico en ese sentido.

Volviendo a Ipotesi Cinema y en relación con la idea de cine y realidad, ¿qué autores sirven de referencia a la escuela? Rossellini, Melville, Truffaut…

Todos ellos y ninguno de ellos al mismo tiempo. Todos los grandes autores que nos han precedido pueden ser un ejemplo a seguir, pero sólo en cuanto a la forma en que obtuvieron su experiencia. Pero tratar de imitar su estilo, para tomar posesión de su poética, o incluso de su identidad, sería una especie de suicidio. Todos tenemos que encontrar nuestro camino personal particular, de lo contrario corremos hacia el fracaso. Y todo pasa por la adquisición de la conciencia de lo que somos, cada uno con su identidad personal.

De hecho, el examen inicial para ingresar en la escuela se basa en que el futuro alumno conozca sus propias aspiraciones.

En realidad, en Ipotesi Cinema no existe una verdadera examinación: continuar o abandonar la experiencia en la escuela se delega a un examen de conciencia propio de cada estudiante, al que debe someterse con total honestidad tras un breve periodo. Como siempre hemos dicho y repetido, las puertas Ipotesi Cinema siempre están abiertas, tanto para entrar como para salir.

La esencia de la escuela es que el estudiante conozca su propia voz, ¿es una especie de proceso de maduración personal?

Sí, completamente, sin una sombra de una duda. Y esto se aplica a los estudiantes, así como a sus, llamados, maestros. De hecho, en Ipotesi Cinema, nunca hicimos una distinción real entre profesores y alumnos, ya que se supone que todos son estudiantes, los maestros incluidos. Ambos están llamados a aprovechar sus oportunidades para crecer, cada uno a su manera, pero compartiendo un camino común.

¿Se trata, por tanto, de un objetivo de crecimiento grupal?

Sí, pero con un pleno respeto de la identidad individual, de lo contrario se corre el riesgo de ser anónimo y banal.

¿Cómo se combina la individualidad de cada director con la aspiración universal de su película?

Si el objetivo es ser universal, hay que intentar ser uno mismo por todos los medios. De lo contrario, no tienes oportunidad, no serás más que trivial. Sólo siendo original puedes esperar decir algo nuevo, algo interesante. ¿Te acuerdas de la pequeña historia de la gota de agua que refleja y contiene las iridiscencias de todo el universo? Cada nueva obra de arte, para ser considerada tal, debe llamar a un debate con las anteriores.

¿Puede el desarrollo tecnológico funcionar en detrimento de la realidad y la universalidad de las películas? Como los efectos por ordenador, por ejemplo.

La tecnología en sí misma no es ni buena ni mala, depende del uso que se haga de ella. El lenguaje del cine es, sin duda, la más antigua lengua humana a pesar de que su tecnología es la más joven. Se tardaron miles de años para que el hombre finalmente pudiera sacar de él mismo las miles de películas mentales que había disparado y extraído de la memoria del día a día, a causa de su contacto con la realidad de este mundo. Y llevarlos a sus semejantes, para compartir su experiencia, sus pensamientos, sus sentimientos… la tecnología, si se utiliza correctamente, siempre le ha ayudado a perfeccionar su lenguaje, en el enriquecimiento de su medio de expresión.

Según su opinión, Ipotesi Cinema intenta formar artistas, no artesanos, ¿hay algún riesgo de formar mejores teóricos del cine que cineastas?

Artistas contra artesanos… es lo que solíamos decir, pero en realidad esta afirmación sigue siendo de alguna manera ambigua. Creo que será mejor decir «artistas frente a profesionales». Lo que pretendíamos era que nuestros estudiantes pudieran emprender un proceso de crecimiento a través de la creatividad y no a través de la adquisición de meras habilidades técnicas y profesionales. Esto es cada vez más necesario en la industria del cine; sin embargo, esperamos que se conviertan en artistas haciendo experimentos, tomando riesgos, haciendo películas en la medida de lo posible, por su cuenta, ni más ni menos que lo que los verdaderos artesanos hacen. En este caso, la teoría viene después de la práctica, admitiendo que en el cine como en las otras artes podemos hablar sobre teoría. Si realmente permitimos que lo hagan, no hay riesgo de que se conviertan en teóricos.

¿Y podría recomendarnos a uno de esos artistas de su escuela?

Esta es la típica pregunta que uno nunca quiere contestar. Pero, si tengo que señalar a alguien, yo diría que a aquellos estudiantes que fueron capaces de desarrollar su propia personalidad original y auténtico estilo. Llevar la marca de Ipotesi Cinema significa no llevar una marca excepto la suya única y personal.

Y hablando de sus películas propias, concretamente de Maicol, ¿cómo logra la realidad redirigir la historia de sus películas?

Jean Renoir decía que, incluso en el entorno más tradicional y artificial (es decir, un escenario) tienes que asegurarte de que al menos una pequeña puerta permanece siempre abierta para permitir que la realidad del mundo exterior entre y traiga un soplo de la vida y la verdad… Eso es lo que traté de no olvidar nunca, no sólo durante el rodaje de Maicol, sino también durante el de todas mis películas. Esto significa que con el guión has de mantener una actitud de mente abierta y estar dispuesto a acoger sin prejuicios todas las sugerencias que vienen de fuera y pueden hacerlo mejor.

En cuanto a otras de sus películas como Agnus Dei y Vermisat, ¿se convierte la metáfora en una manera poética para llegar a la realidad?

La metáfora es, con mucho, no sólo el instrumento favorito del lenguaje poético del cine, sino también el instrumento favorito de los lenguajes naturales. ¿No es a través de la metáfora cuando el hombre, muy a menudo, hace ese proceso de transición que va de lo particular a lo general, de las cosas a los conceptos? Y cuando siente que un concepto se lleva a cabo, ¿no es tal vez a través de la metáfora que se remonta a la singularidad original de las cosas? De las cosas a los conceptos con el fin de volver a las cosas que puede a su vez producir conceptos; no a través del lenguaje de los conceptos, sino a través del lenguaje de las cosas. Eso es lo que cualquier buen cineasta debe tener en cuenta.

Vermisat ganó la Mención Especial del Jurado en la Seminci, a la que este año acude con Corpo a Corpo, ¿qué opinión le merece el festival?

Seminci siempre ha sido conocido por ser el festival de los valores humanos, pero los valores humanos, ya sabes, cambian. En estos años, me pregunto, ¿el festival también habrá cambiado? Espero ser capaz de responder a esa pregunta después de asistir a la edición de este año.

Y en cuanto a la situación actual del cine español, ¿cuál es su visión?

Es exactamente la misma opinión que tengo sobre el cine de otros países y que es que ahora, con algunas pocas excepciones, todas las industrias del cine son de alguna manera similares tanto para bien como para mal. En una época como la nuestra, donde todo se lleva a cabo en nombre de la globalización, las diferencias se desvanecen cada vez más. La brecha entre la parte superior y la base se reduce en todas las áreas. Todo se ahogó en espesa niebla mediática que, en un fenómeno de total confusión, hace cada vez más difícil distinguir lo bueno de lo malo, lo bello de lo feo, lo verdadero de lo falso, la vida de la muerte. Donde también en el dominio del arte y el cine es cada vez más difícil reconocer los picos de las montañas reales y aquellos donde sólo unas pocas puntas aisladas se pueden ver aflorando por aquí y por allá.